嗑药创作的迷幻艺术

    上世纪60年代，“        迷幻        ”开始成为用来描述音乐和艺术风格的一个词语。这类作品的特点是：呈现出高度扭曲的画面和超现实的视觉场景，并且大多数看起来色调鲜艳。

    最被大家所熟知的迷幻艺术应该是来自甲壳虫乐队的音乐，他们的《Lucy in the Sky With Diamonds》就是一首传唱度很高的迷幻作品，这个作品从歌词和作曲上都展现出了创作者独特的迷幻经历，后被列侬等歌手翻唱。

            到底什么是迷幻艺术？        

    随着数字时代的到来，迷幻艺术被认为是一种平庸和俗气的表达。但是回到历史中，我们会发现迷幻艺术在上世纪60年代的流行展现了美国不一样的艺术形态。我们不仅能在迷幻艺术里看到美国的社会和政治形态，还可以感受到它对各个领域的影响。



    “迷幻”一词最早是由英国心理学家汉弗莱·奥斯蒙德所创造的，迷幻艺术特指在LSD等药物的作用下，一个人产生或者被启发出的幻觉经历。但是随着时间的推移，迷幻艺术不再被狭隘地定义为此。        一切努力描绘艺术家内心世界的艺术都可以被定义为“迷幻艺术”。        



    尽管艺术评论家都在美学角度上急于抛弃迷幻艺术，但是迷幻艺术并非无足轻重。因为当提到反主流文化的时候，迷幻艺术就容易被大众想起来。

    “婴儿潮”的一代开始质疑战后美国的政治和社会价值，迷幻音乐和艺术也随之诞生。迷幻音乐的盛行带动了相应的艺术形式，例如在很多海报上融入了越来越多迷幻的元素。

            迷幻艺术家的传奇人生        

    彼得·马克思（Peter Max）作为迷幻艺术家的代表之一，拥有和常人不一样的人生经历，这也成就了他与众不同的艺术风格。独特的图案设计加上明亮的色调让他成为最被大众所知的迷幻艺术家。



    彼得·马克思《迷幻云朵》，91.4×60.9cm，1967年

    彼得·马克思的人生经历更让人觉得不可思议，像斯皮尔伯格的电影一样，        他                游历异国并通过自由地创作尝试发现自己。        

    1937年，彼得·马克思出生于柏林，他的父母因为躲避纳粹发起的运动，带着一岁的他定居到上海。但是在上海的时光，他会听美国的爵士，一遍一遍地看好莱坞的电影，这让彼得·马克思比同龄的美国孩子接触到更多的美国肖像文化。之后，他又随父母先后去过以色列和法国，最后他们终于回到了美国。



    彼得·马克思作品《Discovery》

    美国的60年代不仅仅是一个十年，而是美国最大的文化复兴。当年轻人跟着甲壳虫乐队的音乐摇摆时，彼得·马克思从视觉上抓住了这个时代的精神，创作了与这个时代息息相关的海报，带来了“新时代运动”的黎明。



    彼得·马克思《无题（鲍勃·迪伦）》，91.4×60.9cm，1967年

    这些海报被大多数年轻人追捧，被认为是激进和革命的需求。曾有记者说过：        “在时间、空间和历史的演变上，彼得的宣传海报是充满远见的”。        



    彼得·马克思的和平标志设计

    在彼得·马克思学习绘画的时候，天文学成为他的灵感来源之一。参观了卡梅尔山天文台之后，他开始迷恋上了空间和天文学，这也成为他创作“60年代宇宙”系列的原因。标志性的宇宙主题充满了大胆的设计和鲜艳的色彩，恰如其分地捕捉住了时代的精神。

    最著名的作品系列就是《自由女神头像》，自从美国二百周年纪念以来，彼得·马克思每年都会创作一幅以自由女神为主题的画作。



    彼得·马克思的油画作品《自由女神头像2000》

            跳出常规方法        

    如果你惊奇地看到画布上不是颜料，但是又不确定是什么材料，这有可能是迷幻艺术家弗雷德·汤默塞利（Fred Tomaselli）创作的作品。他的大多数作品都是拼贴艺术，多采用非常规的材料来描绘迷幻的超现实场景。



    弗雷德·汤默塞利《Echo Location》，53.3×43.5cm，2000年

    汤默塞利将药材、处方药丸和可致幻植物作为创作材料，拼贴在从杂志和书籍上裁剪下来的图片上。从东西方装饰艺术文化中汲取灵感，他丰富的色彩让整个画面令人眼花缭乱。并且，这些图案让人感觉似乎在无限生长。



    弗雷德·汤默塞利《Blue Circles》，丙烯、树脂、药物，1995年（Courtesy of James Cohan）

    “艺术是真正关于感觉的，”他曾经打趣地说，“而我的作品通过经历不一样的现实被改变了”。由此产生的作品呈现出一个梦幻般的世界，这也是因为汤默塞利的个人经历和艾滋病所带来的灵感。



    弗雷德·汤默塞利《2010年10月16日后》，树叶、丙烯和木板，76.2×61cm，2010年（Courtesy of James Cohan）

    反主流文化是他受到的主要影响的来源，汤默塞利巧妙地融合了这些想法，描绘了一个乌托邦式的可以令人思考的花园。他认为自己的作品是打开充满幻觉的超现实窗口，可以传送观者到他画作里面的空间。



    弗雷德·汤默塞利《2013年11月19日后》，照片、丙烯和木板，152.4×152.4cm，2014年（Courtesy of James Cohan）

    “        我希望人们能在我的作品中迷失，将人们引入走进我的画作，让他们逃离现实，逃到我创作的世界中。        我将我所热爱的东西和执着投入到我的作品中，我爱大自然、园艺、鸟儿。这些热爱都在我的作品中体现出来。我只需要尽量展现我是谁，创作好我想做的作品。”



    弗雷德·汤默塞利《Black Star》，混合材料，152.4×152.4cm，2013年（Courtesy of James Cohan）



    弗雷德·汤默塞利《Halo of Flies》，混合材料，45.7×45.7cm，2006年（Courtesy of James Cohan）

    让人赞不绝口的布鲁斯·赖利

    布鲁斯·赖利（Bruce Riley）是一名芝加哥艺术家，观赏他创作的过程不禁令人惊叹。他的作品是由倾倒的颜料和滴出来的树脂组成，由此创造出有趣的结构。每个小细节形成了超现实的生物和迷幻的曼荼罗图案（即印度教和佛教中宗教象征宇宙的圆形图案），让人应接不暇。



    布鲁斯·赖利作品的制作过程

    赖利大多数作品都是完完全全靠纯即兴的尝试和实验产生的。他曾说：“你不能试图改变任何东西，只能不停移动颜料。你不用为此担心，不能停下来，不能被卡住。很容易能看出来这幅画成功，也很明显能看出这幅画失败。这些画不是关于具体的东西，我不想给任何事情下定义，我就让颜料自由地流动。”





    虽然迷幻艺术已经被主流艺术慢慢淘汰，但是像赖利这样的艺术家还是坚持创作这类艺术，希望能将迷幻艺术带回到曾经的光辉年代。通过浇注在画布上的颜料和树脂，赖利成功地创作出令人炫目的作品，的确让人想起迷幻的黄金岁月。同时，他的色彩和绘画方式也让当今的大众更容易接受迷幻艺术。



    和传统的创作模式相比，赖利的方式更加随意。不小心出现的“小事故”已经是他在创作中习以为常的现象了，但是他会等最不满意的部分晾干，然后用薄薄的釉使这部分变成最有趣的亮点。





    赖利工作的场景

            跨界最多的瑞安·麦金尼斯        

    艺术家瑞安·麦金尼斯（Ryan McGinness）很擅长将迷幻艺术融入到设计当中，并且在绘画、雕塑和装置中展现出与众不同的迷幻图案。他的灵感源自于滑板和冲浪文化，并且通过这种文化来探讨个人的意义。



    麦金尼斯《Aesthetic Comfort》，2008年（藏于辛辛那提美术馆）

    在卡内基·梅隆大学学习期间，麦金尼斯曾经在安迪·沃霍尔博物馆实习过，这个经验让他开始热衷波普艺术和平面设计。他的作品多是让人眼花缭乱的图案，而且他经常和商业品牌合作，例如和轩尼诗合作的限量版酒标，或者是设计款滑板。





    麦金尼斯《The Cosmic Giggle》，布面丙烯，2013年（Courtesy of the artist）

    他成功地把自己的迷幻作品融合在了品牌设计中，这正像70年代迷幻艺术刚盛行的时候，将流行元素融入到艺术作品里，形成了另一股风潮一样。只是麦金尼斯把这个似乎过时的艺术上升到了另一个新高度，让现在的大众更容易接受所谓“复古”的时尚。



    麦金尼斯《Only a Thief Thinks Everybody Steals》（Courtesy of the artist）



    麦金尼斯《Master of Reality》（Courtesy of the artist）

    迷幻艺术已经随着时间被慢慢地遗忘，无论最初是以一个什么样的形态呈现出来的，但它已经慢慢演变成了一种倾向内心的艺术。虽然它依旧属于反主流文化的艺术，但是        迷幻艺术带给人们更多是视觉上的颠覆，启发艺术家以一种全新的角度去创作。        

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    [编辑、文/张小鱼]